Armonía Simétrica

Simetría en lugar de tonalidad

El nuevo territorio que Giant Steps trajo a la tradición del jazz provino de su rigurosa exploración de los componentes básicos del jazz. En el caso de gigant steps las progresiones de acordes articulan la simetría en lugar de la tonalidad.

Vivimos en un mundo de inmensa belleza. Hay una multitud de formas con innumerables variaciones.  Todo parece tener un equilibrio mágico ligado a una cierta simetría (no siempre lógica) , algo similar sucede en la música. Se puede subdividir en tonos o pensar en “frases simétricas” que producen una nueva forma de pensar en las notas. Hay innumerables formas en que el equilibrio arquitectónico se puede lograr musicalmente desde el nivel micro al macro.

Músicos tan diversos como John Coltrane , Jaco Pastorius o Steve Coleman explican como para desarrollar un solo utilizan dibujos simétricos que dan al solo una nueva profundidad, dejando de banda si tal o cual nota está dentro de la escala que proporciona el acorde.

Aunque esta manera de pensar en la armonía suele ser estudiada por alumnos avanzados, si se enseña desde el principio puede ser comprensible por cualquiera.

Encuentro que la simetría es un concepto importante para el estudio de la música. Esto se relaciona con polaridades fundamentales que, intuitivamente, se encuentran en el corazón de una gran cantidad de sistemas naturales y filosóficos. Cuando tal vez en el futuro se estudie la música del siglo XX, veremos que las escalas simétricas y las armonías simétricas, e incluso los ritmos simétricos son parte del repertorio del músico contemporáneo.

 

 

La dificultad de cada instrumento

A lo largo de mi vida he oído muchas veces la frase “el bajo eléctrico es el instrumento más fácil de tocar” o “el piano es más fácil que la guitarra” etc… . Esto es falso, aunque como todo en la sabiduría popular tiene una base más o menos irregular en la que apoyarse. El bajo puede ser tan fácil como lo desee o tan desafiante como cualquier otro instrumento. Es probable que sea más fácil comenzar con el bajo que con la guitarra por ejemplo, pero cada instrumento plantea desafíos tanto intelectuales como físicos diferentes. De hecho, es complicado cuantificar la dificultad que entraña cada uno comparándolo con el resto. También el tipo de música influye en el ranking de más difícil a más fácil por lo que no entraremos en cual es el instrumento (dentro de los instrumentos mas extendidos) más complicado de tocar.

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¿Qué constituye un verdadero plagio en la música?

El plagio de la música es un tema candente en la industria de la música en estos días. Desde Sam Smith hasta Bruno Mars y Beyonce, los artistas parecen estar siendo acusados ​​de plagio de música más que nunca. Como dice el viejo dicho: no existe el pensamiento original. Todos, desde Shakespeare hasta los Beatles y Zeppelin, han sido acusados ​​de robar ideas de aquellos que les precedieron. Todos estamos influenciados por el mundo que nos rodea, y los compositores no son la excepción. ¿Pero dónde se traza la línea entre ser influenciado por algo y plagiarlo?

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El instrumento y sus técnicas: (Walking bass lines)

walk_¿Qué es exactamente una línea de bajo Walking?.  Generalmente consta de notas de igual duración e intensidad (1/4) que crean una sensación de movimiento hacia adelante que trasladado al lenguaje cotidiano se expresó como caminar. Es posible agregar variaciones rítmicas, pero en general, una línea de bajo que camina impulsa la canción hacia adelante paso a paso.

El punto principal a considerar cuando se construyen líneas de bajo estilo walking es cómo crear una transición suave entre la última nota del acorde actual y la primera nota del siguiente.

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Artista clave: Charlie Parker

La forma en que pasaba de una nota a otra , y la manera en que llevaba el ritmo encajaba perfectamente con lo que estábamos intentanto hacer… Era mi media naranja.Dizzy Gillespie

Conocido como <Yardbid> o <Bird> fue un genio principalmente autodidacta con serias tendencias autodestructivas. Su carrera ejemplificó al mismo tiempo el poder creativo y el espíritu social autodestructivo del bebop. Su música brillaba con tanta luz que deslumbraba a cualquiera en el jazz, pero su estilo de vida mandó el mensaje equivocado a demasiados jóvenes músicos, a pesar de que frecuentemente avisaba de que había que apartarse de las drogas.

Dos años antes, Louis Armstrong había iniciado la evolución del jazz de una música de compositores a una de solistas, pero el bebop hizo fructificar ese proceso, y Parker fue su exponente supremo. Su influencia se extendió a todas partes, y continuó siendo clave para los músicos contemporáneos, afectando no sólo a los saxofonistas, sino a intérpretes de todos los instrumentos.

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¿Qué es la armonía?

notasHubo un tiempo en que se pensaba que la armonía se creaba a través de la interacción entre múltiples líneas melódicas. Este tipo de armonía, llamado contrapunto, en gran parte pasó de moda a principios del siglo XVIII, para ser reemplazado por lo que tradicionalmente pensamos como armonía en la actualidad: acordes que proporcionan acompañamiento para una melodía. Eventualmente, la armonía evolucionó de nuevo para incluir desarrollos adicionales lejos de la tonalidad, o un centro tonal fijo, a la armonía libremente asociada, la atonalidad.

Pero, ¿porqué existe la armonía?

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Jazz modal

c.pngomo su nombre lo indica, es un género de jazz que surgió a fines de la década de 1950 y usa ‘modalidad’ en lugar de ‘tonalidad’. La gran mayoría de la música escrita en los últimos siglos ha sido ‘tonal’. Este es el tipo de música que todos estamos acostumbrados a escuchar día a día. Sin embargo, en la década de 1950 los músicos de jazz comenzaron a sentirse restringidos por la “tonalidad” y comenzaron a experimentar con otras formas de estructurar la armonía.

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