Randy Brecker (Trompeta)

Un titán de jazz y un oficial con una carrera de más de 40 años marcada por haber liderado uno de los equipos de fusión más exitosos,  Brecker Brothers , junto a su hermano, el saxofonista Michael Brecker . Después de emerger a finales de los años 60 como miembro de los grupos de Horace Silver y Art Blakey , Brecker se estableció rápidamente como un músico de sesión en demanda, a menudo trabajando con su hermano y apareciendo en innumerables grabaciones de diferentes géneros, incluidos álbumes de James Brown , Todd Rundgren, Lou Reed , Aerosmith , George Benson y muchos más.

Con el lanzamiento de los Brecker Brothers con influencia de funk a mediados de la década de 1970, ascendió al escalón más alto de estrellas de la fusión de la era, anotando un éxito con “Some Skunk Funk” de The Brecker Bros. de 1975 y ganando numerosos premios Grammy. nominaciones en el transcurso de los seis años iniciales del grupo. Aunque está estrechamente vinculado a la fusión, muchos de sus propios álbumes, como Score ‘s de 1968 y In the Idiom de 1987 han mostrado su dedicación a la conducción de la tradición del jazz post-bop.

The Fort Apache (Banda)

Durante casi 15 años, la banda de Fort Apache ha sido una de las pocas auténticas portadoras de estándares de lo que legítimamente se puede llamar jazz latino. Como se demostró en Crossroads, el debut Milestone del sexteto con sede en Nueva York. Como uno de sus miembros fundadores, Steve Berrios, explica: “La mayoría de las bandas que tocan el llamado jazz latino pueden tocar una canción de ‘jazz’ de la misma manera que una banda de salsa tradicional podría tocarla. Para mí ese no es el punto, esa no es su tarea. Conocemos las dos caras de la moneda muy bien, lo que hace que esta banda sea única. Creo que sale del alma “. Peter Watrous, que escribe en el New York Times, estuvo de acuerdo y señaló que” la banda ha ideado algo inmensamente dramático, música que cambia constantemente de ángulos y enfoques”

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Fabian Almazan (teclados)

Cuando su disco debut, Personalities, se lanzó en 2011, el pianista Fabian Almazan  hizo notar a todos que era un músico sin miedo a arriesgarse con su oficio. Ese álbum comenza con una pieza de Shostakovich (aumentada con un cuarteto de cuerda y sonidos electrónicos), y establece efectivamente la trayectoria que Almazán ha continuado desde entonces, en la que los lenguajes musicales clásicos, latinos y post-bop han sido  fusionados de maneras que son consistentemente sorprendentes y revolucionarios.

Desde 2007, su visión personal para sus propios proyectos haya sido audaz y ambiciosa , intrépida cuando se trata de trascender géneros. Almazán lanzó su segundo disco, Rizoma, en 2014, y al igual que su antecesor incluyó un cuarteto de cuerdas para ayudar a realizar sus complejas y atractivas composiciones. La nueva incorporación para ese disco fue la vocalista / guitarrista Camila Meza, que se convirtió en un componente central del conjunto de Almazán, junto con la bajista Linda May Han, el batería Henry Cole y el cuarteto de cuerdas, incluyendo Megan Gould y Tomoko Omura al violín, Karen Waltuch en viola, y Noah Hoffeld en cello.

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El instrumento y sus técnicas: Pedal TalkBox

Cuando se trata de efectos de guitarra, hay algo acerca de la “talkbox” que a los oyentes les encanta especialmente. Un rugido colectivo todavía rueda entre la multitud cada vez que Peter Frampton “rompe” la unidad durante los shows en vivo.

El sonido nunca deja de intrigar cuando Joe Walsh “Rocky Mountain Way” aparece en la emisora de rock clásico. Teniendo en cuenta que este pedal ha existido durante varias décadas, es notable cómo pocos músicos están familiarizados con la historia del dispositivo.

En esencia, el pedal talkbox le permite a un músico moldear un sonido que generalmente se origina en la guitarra (o cualquier otro instrumento). A través de un tubo de plástico que está conectado al pedal de efectos hasta la boca del intérprete o cerca de ella. El músico puede articular sonidos o palabras de tal manera que estos se convierten en un instrumento / híbrido vocal de forma que la guitarra parece “hablar”.

La variante más antigua conocida de dicho pedal se remonta a 1939, cuando el pionero Alvino Rey  conectó un micrófono con un cable especial (diseñado para modular el sonido de su instrumento), escondiendo a su esposa cantante detrás de las cortinas “cantando” las líneas de guitarra de Rey, creando lo que se llamó una “singing guitar”.

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Anecdotario X: El Saxofón de plástico blanco

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Diseñado por Hector Sommaruga, un italiano que vivía en Londres, el saxofón de plástico “Grafton Way” fue tocado por Charlie Parker en uno de los conciertos en Canada, al haber empeñado éste el suyo antes de partir .

Seguramente el músico más notable que a tocado jamás  un saxofón Grafton fue Charlie Parker. Mientras estaba en Toronto, Charlie Parker y “el quinteto” estaban programados para actuar en Massey Hall, pero Parker había empeñado su saxofón, según dicen algunas fuentes para comprar heroína. Un representante de ventas de Grafton (o el dueño de la compañía, dependiendo de quién recite la historia) le pidió a Parker que usara un Grafton para el concierto en Massey Hall en mayo de 1953.

Aunque Parker estaba bajo contrato exclusivo para usar solo un tipo de saxofón mientras actuaba en los Estados Unidos, fuera de los Estados Unidos, era libre de usar cualquier saxo que deseara. Parker (acreditado como Charlie Chan por problemas de contrato) aceptó . La grabación en el CD “Jazz at Massey Hall” con Bud Powell, Dizzy Gillespie, Charles Mingus y Max Roach. El saxofón Grafton que usó Parker  se vendió en la casa de subastas Christie’s en Londres en septiembre de 1994 por 93.500 libras esterlinas, aunque esto se debió a su asociación con un famoso músico de jazz en lugar de tener un mérito especial ya que se trataba de un saxofón de baja calidad pensado para principiantes el cual costaba menos de la mitad que un instrumento normal. El comprador era el American Jazz Museum ubicado en la ciudad natal de Parker, Kansas City, Missouri.

Nu-Jazz

Es curioso cómo muchos movimientos estilísticos tienen la palabra para “nuevo” en ellos, incluso cuando se fundamentan en estilos que se remontan muy atrás: Bossa Nova, Nuevo Tango, Nouvelle Vague, New Wave, the New Thing.

A mediados de la década de 1990, el tecladista noruego Bugge Wesseltoft ideó el término New Conception of Jazz (o N-COJ) para describir su combinación particular de jazz y ritmos electrónicos, pero la etiqueta más corta y más ágil generalmente aplicada es “nu-jazz”.

Estamos muy lejos del humeante crisol de Nueva Orleans. La postura del Nu-Jazz es que el centro de gravedad del jazz ha pasado de las preocupaciones puristas y retro de los EE. UU. a las de una Europa del norte más multicultural y tecnológicamente relajada.

Técnicas de loop suelen ser muy utilizadas, percusión en bucle.  Los retrasos digitales se usan para crear ritmos sincopados a partir de notas o acordes individuales, todo mezclado con armonías ya exploradas por el jazz más tradicional.