El revival del dixieland

“A mediados de la década de 1930, la palabra (dixieland) comenzó a emplearse en algunos círculos de músicos blancos. Luego pasó a la prensa especializada y, de allí, al público para perder, poco después, su connotación sureña”. Richard Sudhalter

A finales de los año treinta, la Era del Swing estaba en todo su apogeo gracias a las big bands de Benny Goodman, Chic Webb, Glen Miller o los hermanos Dorsey (Jimmy y Tommy). El jazz de Nueva Orleans, así como su vástago, el dixieland, llevaban bastante tiempo desaparecidos.

La obra de pioneros como King Oliver o Jelly Roll Morton permanecía en el olvido. Algunas de sus figuras, como Nick LaRocca, fundador de la Original Dixieland Jazz Band, había abandonado la música para dedicarse al mundo de la construcción, mientras que el trombonista Edward <kid> Ory, que no sólo enseño el oficio a Louis Armstrong, sino que lo acompañó en las sesiones de los Hot Five y de los Hot Seven(1925-1928), se dedicaba a la cría de aves de corral.

Randy Brecker (Trompeta)

Un titán de jazz y un oficial con una carrera de más de 40 años marcada por haber liderado uno de los equipos de fusión más exitosos,  Brecker Brothers , junto a su hermano, el saxofonista Michael Brecker . Después de emerger a finales de los años 60 como miembro de los grupos de Horace Silver y Art Blakey , Brecker se estableció rápidamente como un músico de sesión en demanda, a menudo trabajando con su hermano y apareciendo en innumerables grabaciones de diferentes géneros, incluidos álbumes de James Brown , Todd Rundgren, Lou Reed , Aerosmith , George Benson y muchos más.

Con el lanzamiento de los Brecker Brothers con influencia de funk a mediados de la década de 1970, ascendió al escalón más alto de estrellas de la fusión de la era, anotando un éxito con “Some Skunk Funk” de The Brecker Bros. de 1975 y ganando numerosos premios Grammy. nominaciones en el transcurso de los seis años iniciales del grupo. Aunque está estrechamente vinculado a la fusión, muchos de sus propios álbumes, como Score ‘s de 1968 y In the Idiom de 1987 han mostrado su dedicación a la conducción de la tradición del jazz post-bop.

El canto de los pájaros

Durante siglos, los observadores de aves lo han comparado con la música humana. La canción del pájaro está bellamente descrita por las mismas matemáticas que subyacen en las armonías de la música humana.

Para nuestros oídos, dos notas generalmente suenan armoniosas si siguen una relación matemática establecida. Una octava es una duplicación de frecuencias. Triplicar la frecuencia del sonido produce una quinta perfecta, la cuadruplicación es otra octava y la quintuplicación produce una tercera perfecta.

Los primeros estudios intentaron determinar si estas relaciones matemáticas también gobernaban las notas en el canto de los pájaros. Los estudios en el gorrión de garganta blanca y el ruiseñor del norte no encontraron los mismos intervalos musicales que los utilizados en la música humana, y se consideró que el canto de los pájaros era algo completamente diferente.

El frenesí del Cakewalk

Bailando por las calles , algunos bailarines se adelantan y dibujan unos círculos con números en el suelo, mientras otros bailan alrededor. La música se reproduce a lo largo de la caminata, pero cuando se detiene, los bailarines aterrizan en un número con la esperanza de que la persona que lo lleva pueda acercarse  para así llevarse a casa el preciado postre. Pero al igual que un pastel, el cakewalking tiene capas delicadas: de raza, cultura y entretenimiento apropiado incrustados en todas partes. ¿Quién sabía que este juego agradable tenía un pasado tan turbio y complicado que demostraba cómo los afroamericanos se oponían a sus opresores?

La psicología del nombre artístico

 Podríamos citar miles de casos en los que el artista adopta un nuevo nombre, son tantos los casos que ya está incluso implementado en el argot popular como “Nombre Artístico“.

¿Por qué los músicos crean personajes para sí mismos?.

Por supuesto en cada caso habrá una explicación distinta, pero el hecho es que muchos deciden cambiar su nombre real por uno inventado, tal vez para recrear también un personaje nuevo, diferenciado de ellos mismo. En algunos casos, un nuevo nombre permite a un personaje crear un alter-ego en parte ficticio. En otros, es simplemente un nombre que les permite ser más honestos sobre la verdad de sus propias vidas.

Nunca sabremos cómo le habría ido a Bob Dylan si se hubiera quedado con Robert Zimmerman o si Iggy Pop habría tenido el mismo impacto como James Osterberg.

Históricamente, durante todo el período del Renacimiento en Italia, algunos artistas tenían apodos que se pegaban. Como Donatello, que nació Donato di Niccolò di Betto Bardi, Tintoretto cuyo verdadero nombre era Jacopo Comin, o Boticelli – Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi. Otra cultura que produjo nombres artísticos se encuentra en los países de Asia oriental, donde artistas chinos, japoneses y coreanos recibían nombres en función de su nivel de competencia y experiencia en su oficio. Sin embargo, en la era moderna, los artistas no cambian sus nombres para promocionar su arte.

El nombre artístico es una parte integral de la historia de la música popular. No solo otorga a los músicos una identidad distintiva , sino que también sirven para crear un sentido de familiaridad entre el músico y el oyente.  Conectan a las audiencias con los artistas intérpretes o ejecutantes que, en el escenario o en el disco, de otro modo podrían parecer a un mundo de distancia.

Hologramas

Una de las estrellas pop más grandes de Japón, Hatsune Miku  no es una persona real. Pero ese pequeño detalle no evitó que la cantante humanoide lanzara otro nuevo video musical en 2018.

Roy Orbinson murió en 1988, pero ahora su gira mundial en hologramas  3D lo hace cobrar vida, junto con la Royal Philharmonic Orchestra. Su hijo, Roy Orbison Jr., quien espera que el avatar de su padre algún día tenga una residencia en Las Vegas, dice: “Estamos muy emocionados de que hayamos tenido la oportunidad de hacer esto: la primera gran gira de un artista fallecido en holograma”

Los parámetros en vivo han cambiado

La realidad virtual y aumentada, así como el “mapeo 3D”, podrían significar grandes cambios en los escenarios de todo el mundo,igual que en su momento lo fueron la iluminación , las pantallas led o el efecto visual de humo. Hoy en día, la incorporación de imágenes y la producción que continúa es una locura. “El mapeo en 3D manipula la apariencia de un objeto 3D. Se ha realizado en castillos para aparentar que se vean como si se hubieran caído.  El espectador puede experimentar estar en el escenario con los artistas. O el concierto podría salir del escenario. “Somos una generación mimada de posibilidades”.

Una imagen holográfica de Michael Jackson se presenta en el escenario durante los Premios Billboard de la Música 2014 en el MGM Grand Garden Arena el 18 de mayo de 2014 en Las Vegas.

Gracias a la ilusión centenaria de la holografía y la tecnología digital de vanguardia en constante evolución, en la última década los espectáculos más allá de la tumba se han graduado de acrobacias excepcionales a giras potencialmente lucrativas que podrían cambiar la forma en que experimentamos los conciertos para siempre.

Stanley Clarke (Bajo eléctrico)

Stanley Clarke es uno de los bajistas que creó un lenguaje para el bajo eléctrico en el contexto de la música de fusión en los años 70. Comenzando con Pharoah Sanders (1971) y especialmente con Chick Corea (1972), Clarke convirtió el bajo eléctrico en una fuerza de la naturaleza. Tanto en términos de poder de percusión como en términos de espectro cromático.

Sus composiciones fueron ambiciosas, School Days (junio de 1976) fue un éxito. El doble LP I Wanna Play For You (septiembre de 1979) marcó la transición de la antigua fusión  a una fusión más  pop-soul-funk a la que también se unió George Duke. Este último se convirtió en su principal asociación durante la década de 1980, especialmente en el grupo de funk The Clarke / Duke Project (1981).

El bajista luego se emparejó nuevamente con Copeland para dos álbumes en el proyecto de fusión Animal Logic. Cerró la década con 1988 más post-bop y tendencia jazz modal , If This Bass Could Only Talk, que también presentó a Copeland, Wayne Shorter, Allan Holdsworth y el bailarín de tap Gregory Hines.

En 2012, Clarke viajó a Francia para participar en el concierto del cincuentenario del violinista Jean Luc Ponty . Allí, se unió a Ponty y al guitarrista Biréli Lagrène en una actuación, que luego llevó al trío a grabar el D-Stringz de 2015 para Impulse. En 2018, Clarke volvió a su formato de banda con The Message, con la pianista Beka Gochiashvili, el teclista Cameron Graves y el baterista Mike Mitchell.