La psicología del nombre artístico

 Podríamos citar miles de casos en los que el artista adopta un nuevo nombre, son tantos los casos que ya está incluso implementado en el argot popular como “Nombre Artístico“.

¿Por qué los músicos crean personajes para sí mismos?.

Por supuesto en cada caso habrá una explicación distinta, pero el hecho es que muchos deciden cambiar su nombre real por uno inventado, tal vez para recrear también un personaje nuevo, diferenciado de ellos mismo. En algunos casos, un nuevo nombre permite a un personaje crear un alter-ego en parte ficticio. En otros, es simplemente un nombre que les permite ser más honestos sobre la verdad de sus propias vidas.

Nunca sabremos cómo le habría ido a Bob Dylan si se hubiera quedado con Robert Zimmerman o si Iggy Pop habría tenido el mismo impacto como James Osterberg.

Históricamente, durante todo el período del Renacimiento en Italia, algunos artistas tenían apodos que se pegaban. Como Donatello, que nació Donato di Niccolò di Betto Bardi, Tintoretto cuyo verdadero nombre era Jacopo Comin, o Boticelli – Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi. Otra cultura que produjo nombres artísticos se encuentra en los países de Asia oriental, donde artistas chinos, japoneses y coreanos recibían nombres en función de su nivel de competencia y experiencia en su oficio. Sin embargo, en la era moderna, los artistas no cambian sus nombres para promocionar su arte.

El nombre artístico es una parte integral de la historia de la música popular. No solo otorga a los músicos una identidad distintiva , sino que también sirven para crear un sentido de familiaridad entre el músico y el oyente.  Conectan a las audiencias con los artistas intérpretes o ejecutantes que, en el escenario o en el disco, de otro modo podrían parecer a un mundo de distancia.

¿Como componía Michael Jackson?

Jackson no podía leer ni escribir música. Podía tocar pequeñas melodías en el teclado,  la guitarra, la batería pero si la destreza necesaria para componer. No tenía ningún entrenamiento de composición formal, aunque se podría decir que su padre lo entrenó más que cualquier otro artista.

Sin embargo tenía la capacidad de escuchar sinfonías enteras en su cabeza, era consciente de sus canciones antes de que fueran puestas en papel. “Las letras, las cuerdas, los acordes, todo viene en este momento como un regalo que se te pone en la cabeza y así es como lo escucho”, dijo Jackson durante el caso judicial “Dangerous” de 1994.

jackson

Un equipo de ingenieros y productores profesionales trabajaría en las pistas que trajo al estudio, pero incluso ellos quedaron impresionados por su genialidad. Rob Hoffman, ingeniero de sonido describe el proceso : “Una mañana MJ entró con una nueva canción que había escrito durante la noche. Llamamos a un guitarrista, y Michael le cantó cada nota de cada acorde. “‘Aquí está el primer acorde, primera nota, segunda nota, tercera nota. Aquí está la primera nota del primer acorde, la segunda nota, la tercera nota, etc. etc. Luego lo presenciamos dando la interpretación vocal más sincera y profunda, en vivo en la sala de control a través de un SM57 “, dice Hoffman.

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Bela Fleck(banjo)

 Béla Fleck es considerado uno de los músicos más innovadores del mundo y ha hecho mucho para demostrar la versatilidad de su instrumento (el banjo). Lo usa para tocar desde bluegrass tradicional hasta  jazz fusion pasando por infinidad de estilos. Nacido en la ciudad de Nueva York, a los 15 años Fleck quedó fascinado con el banjo después de escuchar “Ballad of Jed Clampettde Flatt & Scruggs y “Dueling Banjos” de Eric Weissberg y Steve Mandell, así que le pidió a  su abuelo que le comprara uno. Mientras asistía a la Escuela Superior de Música y Arte en Nueva York, Fleck trabajó en la adaptación de la música bebop para el banjo.

Fleck, el  mandolina Sam Bush, el violinista Mark O’Connor, el bajista Edgar Meyer y el   Dobro Jerry Douglas se unieron en 1989 para formar Strength in Numbers y grabar The Telluride Sessions. A finales de ese año, PW TV le pidió a Fleck que participara en su próximo disco en el que se  reunieron  un verdadero “equipo de ensueño” de músicos para formar los Flecktones. Los miembros originales incluyeron a Howard Levy(teclista), la armónica y la ocarina, entre otros instrumentos; el bajista Victor Lemonte Wooten, y su hermano Roy “Future Man” Wooten en la batería y un tambor electrónico con forma de guitarra. Aunque el especial no se emitió hasta 1992, los Flecktones grabaron su álbum debut homónimo en 1990 y lo siguieron con Flight of the Cosmic Hippo (1991).

 

Oregon (banda)

Antítesis de la música de fusión de los setenta, Oregon, contaba entre otros con Paul Mccandless(oboe, saxo tenor y clarinete bajo), Glen Moore (contrabajo, violín, clarinete y percusión), Ralph Towner (guitarra, piano, trompa, trompeta y fiscorno) y Colin Waltcott (tabla, sitar, clarinete y percusión). En cierto modo , Oregon parecía más un cuarteto de música de cámara que una formación de jazz, introduciendo diversos elementos de culturas lejanas mucho antes de que se pusiera de moda la <World Music>. Después de que Colin Walcott muriera en un accidente de tráfico en 1984, el grupo se separó, pero regresó en 1986 con el percusionista indio Trilok Gurtu y un abanico de influencias todavía más amplio.

 

¿Qué hizo de Jimi Hendrix un guitarrista legendario?

Por supuesto, hubo muchos factores  que contribuyeron a que Hendrix fuera un guitarrista tan legendario. Muchos de ellos estaban más allá de su control, su muerte por ejemplo desempeña un papel en su estado como leyenda de la guitarra. Gran experimentador se aventuraba con valentía  en reinados desconocidos. Saltaba con frecuencia fuera de su zona de confort(también Hendrix la tenía) y esto le conducía al descubrimiento e inevitablemente a la innovación.

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Jazz modal

c.pngomo su nombre lo indica, es un género de jazz que surgió a fines de la década de 1950 y usa ‘modalidad’ en lugar de ‘tonalidad’. La gran mayoría de la música escrita en los últimos siglos ha sido ‘tonal’. Este es el tipo de música que todos estamos acostumbrados a escuchar día a día. Sin embargo, en la década de 1950 los músicos de jazz comenzaron a sentirse restringidos por la “tonalidad” y comenzaron a experimentar con otras formas de estructurar la armonía.

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