Versión del famoso estandar de Miles davis All blues.
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Fue uno de los principales arquitectos de la música soul de Chicago durante los años sesenta y setenta.
Comenzando con sus primeras canciones, como “Gypsy Woman” (1961), “It’s All Right” (1963), “Keep On Pushing” (1964) y “People Get Ready” (1965), cuando era vocalista principal de The Impressions, Mayfield escribió piezas humanísticas altamente inspiradoras relacionadas con el levantamiento afroamericano. Sus composiciones se convirtieron en estándares en los repertorios de artistas tan variados como Rod Stewart, Bob Marley y Brian Hyland.
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Un término que se volvió actual durante la década de 1980 como un medio de categorizar la música de Brian Ferneyhough, Michael Finnissy y varios compositores más jóvenes, la mayoría de ellos británicos, cuya música se celebró para compartir ciertas características estéticas y formales. En particular, trataron de lograr en su trabajo una interacción compleja y multicapa de procesos evolutivos que ocurrieran simultáneamente dentro de cada dimensión de la pieza. Dado que los compositores dentro de la “Nueva Complejidad” por lo general optaron por realizar su música a través de recursos instrumentales acústicos, sus puntajes necesariamente llevaron la capacidad prescriptiva de la notación tradicional a sus límites, con un detalle de articulación hasta ahora sin precedentes.
Fue uno de los pocos saxofonistas de alto nivel que se resistió a adoptar el estilo y el tono de Charlie Parker. Lo que no pudo resistir fue el atractivo de las drogas, omnipresente en ese momento entre los músicos de jazz. Y aunque algunos usuarios lograron sobreponerse a sus adicciones, Art, sobreviviente de una infancia durisima (madre alcohólica negligente, padre alcohólico violento). Lo conducirían al desequilibrio emocional hasta el final de sus días.
En 1952, comenzó una larga serie de hospitalizaciones y encarcelamientos por tenencia de drogas desde su posesión temporal hasta posesión interna . Con el tiempo, se convirtió en un ladrón consumado (aunque no un ladrón armado, ya que sus compañeros criminales pensaron que estaba demasiado loco como para confiarle en un arma). Al parecer él se enorgullecía de sus fechorías.
Todas estas historias hacen de Art un personaje bastante inquietante. Lo que es sorprendente es que la música que logró hacer durante estallidos de libertad irregulares también fue cautivadora.
Floreció en la oscuridad, se volvió más profundo y más conmovedor a medida que pasaba el tiempo. Las actuaciones de The Art Pepper Quartet (1952) y Art Pepper Meets the Rhythm Section (con la sección rítmica de Miles Davis) a lo largo de las grabaciones que hizo en el Village Vanguard en 1977 y su posterior Grabación con cuerdas (Winter Moon, Galaxy, 1981) es simplemente brillante.
Art Pepper murió el 15 de junio de 1982 de una hemorragia cerebral. Pero la publicación de 1979 de Straight Life y la prensa revivieron la carrera de Art. Con la ayuda de Laurie su esposa, pasó los últimos años de su vida tratando de recuperar el tiempo perdido, convirtiendo cada actuación en una ocasión de vida o muerte, recorriendo el mundo con sus propias bandas, grabando más de cien álbumes, escribiendo canciones, ganando encuestas, respeto y adulación.
Simetría en lugar de tonalidad
El nuevo territorio que Giant Steps trajo a la tradición del jazz provino de su rigurosa exploración de los componentes básicos del jazz. En el caso de gigant steps las progresiones de acordes articulan la simetría en lugar de la tonalidad.
Vivimos en un mundo de inmensa belleza. Hay una multitud de formas con innumerables variaciones. Todo parece tener un equilibrio mágico ligado a una cierta simetría (no siempre lógica) , algo similar sucede en la música. Se puede subdividir en tonos o pensar en “frases simétricas” que producen una nueva forma de pensar en las notas. Hay innumerables formas en que el equilibrio arquitectónico se puede lograr musicalmente desde el nivel micro al macro.
Músicos tan diversos como John Coltrane , Jaco Pastorius o Steve Coleman explican como para desarrollar un solo utilizan dibujos simétricos que dan al solo una nueva profundidad, dejando de banda si tal o cual nota está dentro de la escala que proporciona el acorde.
Aunque esta manera de pensar en la armonía suele ser estudiada por alumnos avanzados, si se enseña desde el principio puede ser comprensible por cualquiera.
Encuentro que la simetría es un concepto importante para el estudio de la música. Esto se relaciona con polaridades fundamentales que, intuitivamente, se encuentran en el corazón de una gran cantidad de sistemas naturales y filosóficos. Cuando tal vez en el futuro se estudie la música del siglo XX, veremos que las escalas simétricas y las armonías simétricas, e incluso los ritmos simétricos son parte del repertorio del músico contemporáneo.
Jimmy Smith no fue el primer organista en el jazz, pero nadie tuvo una mayor influencia con el instrumento que él; Smith consiguió un sonido rico y estridente del Hammond B-3, y su sonido y estilo lo convirtieron en uno de los mejores instrumentistas de los años 50 y 60, mientras que varios teclistas de rock y R & B aprenderían valiosas lecciones del ejemplo de Smith.
Nació en Norristown, Pennsylvania el 8 de diciembre de 1928 (algunas fuentes citan su año de nacimiento como 1925). El padre de Smith era músico y animador el joven Jimmy se unió a su grupo cuando tenía seis años. Para cuando tenía 12 años, Smith era un consumado pianista que ganó concursos locales de talentos. Después de escuchar al organista pionero Wild Bill Davis, Smith se inspiró para cambiar de instrumento. Compró un órgano Hammond B-3 y lo instaló en un almacén donde él y su padre estaban trabajando; Smith refinó los rudimentos de su estilo durante el año siguiente.
A menudo se piensa que tener “oído absoluto” es mejor o superior al llamado oído relativo . Es cierto en algunos aspectos, pero es como comparar manzanas con naranjas.
La verdad es que ambos son habilidades auditivas completamente separadas , cada una con sus poderes y habilidades únicos. Relativo y absoluto son complementarios. Hacen su trabajo mejor cuando trabajan JUNTOS como los dos hemisferios de su cerebro.
El oído relativo proporciona un entendimiento intelectual (cerebro izquierdo) de lo que escuchas, mientras que el oído absoluto te ofrece la percepción artística (cerebro derecho) de lo que David Lucas Burge llama “tono del tono“.
Pero, cuales son las diferencias….
